KI verwandelt Kunst in Inhalte

Dank KI kann jetzt jedes Gemälde einen erweiterten Rand haben, jede Nebenfigur eine von ChatGPT geschriebene Spin-off-Serie.

Ende letzten Monats änderte der Streamingdienst Max von HBO im Rahmen einer weiteren unerklärlichen Rebranding-Aktion die Art und Weise, wie er Filmabspanne organisiert. Anstatt einzelne Produktionskategorien für die Benutzer herauszutrennen, fasste Max in seinen Credits Autoren und Regisseure unter einer bedrohlichen Überschrift zusammen und nannte sie „Schöpfer“. Die Neukategorisierung erzürnte Autoren, Filmemacher und die Directors Guild of America. Innerhalb weniger Stunden entschuldigte sich die Muttergesellschaft von Max, Warner Bros., für den Schritt und nannte es „ein Versehen beim technischen Übergang von HBO Max zu Max“.

Die Änderung, die von einem Unternehmen mit einer Marktkapitalisierung von nahezu 30 Milliarden US-Dollar während eines umstrittenen Autorenstreiks vorgenommen wurde, wirkte auf Hollywood-Profis kleinlich und rachsüchtig. Die Umstrukturierung der Credits durch Max wurde so interpretiert, dass die Studios den stillen Teil laut aussprachen: dass das Handwerk und die Fachkompetenz, die für die Herstellung von Kunst erforderlich sind, unwichtig seien und dass die Unterschiede und Arbeitsteilungen im kreativen Prozess lediglich die Obsessionen sensibler Kunsthandwerker seien. Anders ausgedrückt: Im algorithmischen Zeitalter der generativen KI gibt es keine Autoren, sondern nur Schöpfer, die Inhalte erstellen. Sag ihnen, sie sollen die „Gefällt mir“- und „Abonnieren“-Buttons zerstören, Marty Scorsese! Was die flüchtigen Kontroversen angeht, so bringt diese die Ängste unserer unmittelbaren technologischen Zeit ziemlich perfekt auf den Punkt – eine Zeit, in der Medien, Unterhaltung und Kunst alle von der unendlichen Schriftrolle geformt und letztendlich subsumiert werden.

Gewerkschaftsorganisationen wie die Directors Guild kämpfen seit langem für die ordnungsgemäße Anerkennung von Credits, und der Schöpfer berührt einen bestimmten, offenen Nerv. Es ist durchdrungen vom Ballast des Internets und insbesondere von einer Untergruppe von Arbeitnehmern, deren Arbeit häufig von launischen Technologieplattformen abgewertet, ausgebeutet und den Launen kapriziöser Technologieplattformen unterworfen wird. Viele YouTuber arbeiten an Volumen und produzieren ständig Inhalte, um Geld zu verdienen und relevant zu bleiben. Der Spitzname selbst ist, wie WGA West-Präsidentin Meredith Stiehm in einer Erklärung klarstellte, „im Rückgang begriffen“.

Wie Taylor Lorenz für The Atlantic schrieb, wurde der YouTuber ursprünglich 2011 von YouTube als Sammelbegriff gepriesen. Tim Shey, der zu dieser Zeit bei YouTube arbeitete, sagte Lorenz, dass YouTuber „schreiben, bearbeiten, produzieren, Community-Management betreiben und Unternehmer sein konnten“. Der anstelle von „YouTube-Star“ verwendete Begriff sollte bedeuten, dass Internet-Ruhm weithin erreichbar war, sich aber auch von traditionellen Hollywood-Talenten unterschied. Seit diesen Anfängen hat das Silicon Valley Hollywood verschlungen: Technologieunternehmen wie Netflix und Amazon haben sich zu vollwertigen Studios entwickelt, die Milliarden in das Film- und Fernsehgeschäft stecken und gleichzeitig einen rücksichtslosen, datengesteuerten, algorithmischen Ansatz dafür einführen, was grün wird -beleuchtet und wie der Rest von uns das alles beobachtet.

„Jemanden Content-Ersteller zu nennen, fasst alle Jobs in die Kategorie ‚Du machst Mist‘ zusammen“, sagte mir kürzlich Josh Gondelman, ein WGA-Mitglied, das an „Last Week Tonight With John Oliver“ und „Desus & Mero“ gearbeitet hat. „Es ist nicht so, dass es einfach keinen Respekt vor der Vielfalt an Fähigkeiten oder Fachkenntnissen zeigt; es geht vielmehr darum, dass dadurch Geld vom Tisch genommen wird. Früher wurde man für jeden Job, den man erledigte, bezahlt. Jetzt ist es einer.“ Dies ist, um es klarzustellen, kein Nischenanliegen gut bezahlter Hollywood-Typen, sondern ein Aspekt des digitalen Lebens in einer Zeit der Automatisierung.

Die von Gondelman beschriebene Abflachung ist wichtig, um zu verstehen, warum algorithmische Optimierung und generative KI bei Menschen in der Kreativbranche tiefe Ängste hervorrufen. Tech-Plattformen vermarkteten die Creator Economy als eine Art unternehmerische Befreiung, doch auf der anderen Seite dieses Wandels stehen der Verlust von Sicherheitsnetzen wie Gewerkschaften, Sozialleistungen und anderen Arbeitsschutzmaßnahmen sowie eine Vermögenskonzentration beim oberen 1 Prozent von einflussreichen viralen Persönlichkeiten. In der Vereinbarung des Erstellers ist oft die Notwendigkeit enthalten, eine große Menge an Inhalten zu produzieren. KI wird das alles noch schlimmer machen.

Lesen Sie: Die Influencer-Wirtschaft steckt in einer existenziellen Krise

Plattformen brauchen Skalierbarkeit. Die umbenannte Max-Plattform bietet beispielsweise atemberaubende, nahezu unerschöpfliche 35.000 Stunden Programm – also Inhalte. Das ist ein weiterer Technologiebegriff, der die Unterschiede verwischt – zwischen gedankenloser Unterhaltung und meditativer Kunst, zwischen sofort generiertem synthetischem Text und sorgfältig geschriebenen Sätzen, zwischen Advertorial und Redaktion. Der Inhalt fasst alle Medien zusammen, die jemandem vor Augen geführt werden können, und bringt alles auf den kleinsten gemeinsamen Nenner: etwas, das einen Benutzer für einen bestimmten Zeitraum fesselt. Und kein technologisches Werkzeug ist so exquisit gebaut und für den Einsatz auf Internetebene konzipiert wie die generative KI. Die großen Sprachmodelle unserer Zeit, wie etwa GPT-4, sind auf schwindelerregende, unmenschliche Mengen an Informationen trainiert, und die Werkzeuge sind darauf ausgelegt, endlose Mengen synthetischer Füllstoffe zu erzeugen, die sofort zum Verzehr zugänglich sind. Qualität ist weniger relevant als Quantität.

Wenn Sie genau hinschauen, können Sie bereits erkennen, wie sich KI in der Unterhaltungsbranche durchsetzt. Beim Spielen sieht das wie ein spontan generierter Dialog aus, bei dem Nicht-Spieler-Charaktere Skripte ersetzen und Open-World-Spiele nahezu unbegrenzt spielbar machen. Beim Podcasting könnten damit Unternehmen gemeint sein, die lange Interviews im Joe-Rogan-Stil zwischen zwei beliebigen Personen in der Geschichte der Menschheit erstellen können. Fehlende Nachfolge nach dem Serienfinale? Zaubern Sie einfach Ihren eigenen Spielfilm mit allen Charakteren, wie es kürzlich der Risikokapitalgeber Jason Calacanis getan hat. „Die perfekte Vorbereitung für einen Film … das ist auf keinen Fall vorbei“, twitterte er kurz nach der Ausstrahlung der letzten Folge.

Calcanis' Ungläubigkeit beim Finale der Show ist ein nützliches Beispiel für das, was ich Scale Brain nenne: das Ergebnis einer Weltanschauung, die Zurückhaltung mit Verwirrung betrachtet und selbst auferlegte Einschränkungen als Schwäche betrachtet. Bei dieser Denkweise geht es nicht um Handwerk oder den Sieg – sie betrachtet Aufmerksamkeit und sogar Anbetung als Ressourcen, die es zu nutzen gilt, bis sie aufgebraucht sind. Es muss ein Film in Arbeit sein, denn Aufmerksamkeit und Geld stehen immer noch auf dem Spiel. Es müssen noch Inhalte erstellt werden!

Es erscheint aufschlussreich, wenn auch ein wenig gewagt, dass diejenigen mit Scale Brain derzeit generative KI-Tools nutzen, um die Grenzen klassischer Gemälde und Fotografien wie der Mona Lisa und des Covers von „Abbey Road“ der Beatles zu erweitern. Einerseits ist das kaum mehr als ein lustiger Computer-Salon-Trick; Andererseits scheint es ein Hinweis auf eine Denkweise zu sein, die keine Endgültigkeit oder Einschränkungen akzeptieren kann – das heißt, dass sie die Kunst selbst nicht akzeptieren kann. Die in der unendlichen Schriftrolle zusammengefasste Mona Lisa ist keine Kunst; Es handelt sich um algorithmisches Rauschen, das durch eine rechnerisch fundierte Vermutung erzeugt wird. Obwohl es aus rein technologischer Sicht spannend sein mag, finde ich es eine deprimierende, nihilistische Ablehnung der Grenzen, die Kunst interessant und menschlich machen.

Hier geht es weniger um das Ende der Kunst als vielmehr um das Ende aller Enden, die Ihnen durch eine effiziente Produktion ohne Grenzen vermittelt werden. Es gibt bereits eine kulturelle Obsession mit Überlieferungen und Fandoms sowie die Förderung von Erzählungen durch Fanfiction und Remix-Kultur. Jetzt reagierte die Unterhaltungsindustrie mit einer Fixierung auf die Entwicklung von „geistigem Eigentum“ – der Erzählung als unendlicher Schriftrolle. Eine Möglichkeit, sich Scale Brain und die Evangelisation der generativen KI vorzustellen, besteht darin, eine Gruppe von Menschen zu sehen, die begeistert davon sind, alle Facetten des kreativen Lebens in geistiges Eigentum umzuwandeln, in dem alles ein erweitertes filmisches Universum haben kann und sollte, eine Welt ohne Ende.

Argumente über Kunst und Beschränkung sowie über Handwerk versus Maßstab klingen oft übertrieben wertvoll: Kunst und kreative Arbeit sind schließlich Geschäfte. Aber es lohnt sich zu bedenken, was in einer Welt verloren geht, in der Menschen und Technologien sich weigern, menschliche Grenzen anzuerkennen, und stattdessen eine unerbittliche, endlos monetarisierbare Größenordnung bevorzugen.

Vielleicht die interessanteste Zeile bei Warner Bros.‘ In seiner Entschuldigung hieß es, dass die Aufnahme des Begriffs „Ersteller“ „ein Versehen bei der technischen Umstellung“ sei – ein kleiner Fehler im Code, der durch ein schnelles Update behoben werden müsse. In gewisser Weise ist dies die ganze Geschichte: die Reibung, die entsteht, wenn ein technischer Rahmen auf die menschliche Arbeit des künstlerischen Schaffens angewendet wird. Es ist auch eine prägnante Zusammenfassung der Arbeit in einer Welt mit grenzenlosen Inhalten, in der man leicht das Gefühl hat, dass wir alle kurz davor stehen, im technischen Wandel ein Versehen zu werden.